Der in Barcelona lebende spanische Künstler Xavi Ceerre begann mit 9 Jahren in Alcoy (Alicante) mit dem Graffiti-Writing, einer Industriestadt, deren Wirtschaft in den 70er Jahren zusammenbrach, , sodass viele Fabriken verlassen waren und eine perfekte Spielwiese für Graffiti wurden. Im Alter von 15 Jahren begann er zu rappen, später wechselte er zur elektronischen Musik und malte mit 17 Jahren seine erste Leinwand. 2020 studierte er schließlich Malerei in Bilbao. Die Entstehung seines Künstlernamens Ceerre geht auf seine Graffiti-Praxis zurück, wobei die Buchstaben C und R auf Spanisch ausgesprochen werden. Ceerre entwickelt seine Malerei auf Leinwand, indem er verschiedene Techniken und Materialien kombiniert und mit seinem Bewusstsein und Unterbewusstsein spielt. Er versucht immer, im Malprozess frei zu bleiben – er fügt hinzu, radiert wieder aus, fügt wieder hinzu, arbeitet mit Gesten und in Schichten – seine Inspirationen liegen in der spielerischen Art von Kindern, Comics, Graffiti Writing, urbanen Texturen und Musik. Er schafft abstrakte Bilder mit einfachen Formen und Rhythmus, in ständigem Experimentieren mit Form und Farbe und mit einem gewissen naiven Charakter. Manchmal fügt er Elemente von geschriebenen Wörtern, gesprühten Buchstaben, Comicfiguren oder Kritzeleien auf der hauptsächlich weißen Leinwand hinzu und schafft so eine Verbindung zu Graffiti Writing und Zeichnung in der Abstraktion. Einige Werke zeigen Schichten von Texturen und Materialität, die an gelebte Wände des städtischen Raums oder Lost places kennen. In den jüngsten Leinwandserien bezieht sich der Künstler auf die Kunstgeschichte. Neben seiner Malerei auf Leinwand schafft Ceerre Objekte, Skulpturen, Installationen und abstrakte Wandmalereien.
Kindheit mit Zeichnen, Taggen und Rappen
Xavi Ceerre wurde 1988 in Alcoy geboren und wuchs zwischen Alcoy, Agres und Oliva auf. Alcoy ist eine kleine Stadt, die in den 1970er Jahren ein wichtiger Industriestandort war, und später brach lag. Agres ist ein Bergdorf und in Oliva hatte seine Familie ein kleines Haus, gebaut von seinem Großvater. Zu dieser Zeit war die Region halb bebaut und es gab viele Ruinen, die sie die Spukhäuser nannten. Ceerre wuchs in einer liebenswerten Familie auf, die ihn als Kind ermutigte, zu zeichnen, und ihm zu Weihnachten Kunstmaterialien schenkte. Er zeichnete Rennstrecken und Karten, Häuser mit geheimen Räumen, Laboratorien von verrückten Wissenschaftlern und später Landschaften. Ein Freund seines Onkels war Maler und besaß eine Bar in Agres, in der Ceerre seine Gemälde an den Wänden sah. Er war ein symbolistischer abstrakter Maler namens Mario Pascual, und seine Arbeit hatte einen großen Einfluss auf ihn. In seiner Freizeit las Ceerre gerne Comics und schaute Cartoons, besonders von Fleischer Studios, Warner Bros Cartoons und Walt Disney. Als er 10 Jahre alt war, begann er, El Víbora zu kaufen, eine Erwachsenen-Comic-Zeitschrift aus der Underground-Kultur der 1970er Jahre, und entdeckte Autoren wie Al Columbia, Crumb, Vaughn Bodé und Jamie Hewlett. Al Columbias „Biologic Show“ beeindruckte ihn zutiefst, er erinnert sich noch heute daran.
Als Ceerre in der sechsten Klasse war, kaufte er mit Freunden Sprühdosen und begann, an den Türklingeln von Häusern zu kritzeln. Nachbarn kamen zur Schule und fragten nach Erklärungen, und beschwerten sich, dass jemand Graffiti an ihre Häuser gemalt hatte. So erfuhr er, dass es Graffiti genannt wurde. Im Informatikunterricht hatte er Zugang zum Internet und fand eine wissenschaftliche Arbeit über Graffiti in Madrid online. Beim Lesen entdeckte er, was Hip Hop war. Nicht lange danach fingen er und seine Freunde an zu taggen, um Spaß zu haben. Alcoy war zu dieser Zeit voller Graffiti. Als er Meñe, eine weibliche Writerin kennenlernte, nahm sie Ceerre mit zu einem verlassenen Bahnhof, wo er sein erstes Graffiti Pieces malte, es war in 2000/2001. Seine ersten Namen waren Skary, Gabo, DS, Nose, DADO… insgesamt 54, bis er begann, Cruel zu verwenden, den Vorfahren seines heutigen Namens CR (Ceerre). Damals malte er vor allem in einem alten Bahnhof von Alcoy, einem großen Eisenbahngelände, aber auch in Fabriken, verlassenen Gebäuden, unter Brücken und im Cantagallet-Park.
Neben dem Graffiti Writing spielte aber auch Musik eine große Rolle für den Künstler und das bis heute. Hip Hop hatte ihn dazu bewegt, Musik selbst zu produzieren. Als er mit einigen Freunden anfing, zu rappen, brauchten sie Beats. Sie veröffentlichten im Alter von 12 Jahren ihre erste Demo mit einem Keyboard-Loop. Später produzierte er Beats mit Software, er war 14 Jahre alt und schuf jeden Tag neue Beats.
Für Graffiti wurde Ceerre in den Anfangsjahren von Writern wie Musa, Dibone und Dran beeinflusst. Später von der ONG-Crew und Yann L’outsider. Über die Jahre hinweg war er in vielen Crews aktiv, wie PG (Pequeños Graffiteros), KNG (Kids of Nation G), CWK (Crimes on da Walls Kru), RAKSHAS, Mancos und WC (Wild Cans) bis 2013. Was Ceerre zu dieser Zeit am meisten genoss, war das Taggen. Es hat ihm am meisten Freude bereitet und auch die meisten Probleme verursacht, erinnert er sich heute. Aber auch die Suche nach Orten zum Malen von Graffiti war eine sehr befriedigende Aktivität. Sich an Orten heranschleichen, recherchieren, einen Weg finden, der erste sein, der ihn betritt. Mit dem Standort interagieren. Einen Dialog mit der Umgebung aufbauen. All diese Dinge haben ihm viel beigebracht, erkennt Ceerre heute. Die Orte, die ihm am besten gefielen, waren diejenigen, die noch niemand entdeckt hatte. Er mochte große Bauten, Orte, an denen er sich klein aber auch wie ein König fühlte. Für ihn sind verlassene Gebäude wie magische Orte: „Sie haben eine archäologische Komponente, eine Geschichte und werden von dem Moment bewohnt, als sie aufhörten, benutzt zu werden. Besonders Fabriken. Sie sind wie stille Kathedralen, offen für jede Idee, egal wie verrückt sie sein mag“.
Inspirationsquellen und Kunststudium
In den ersten Jahren seiner Graffiti Writing-Praxis wechselte Ceerre zwischen Buchstaben und Charactern in verschiedenen Stilen. Außerdem studierte er 2009 Illustration an der EASD Alcoi. Ab 2012, begann er ein tiefes Interesse an Charactern von spanischen Comicautoren zu entwickeln, wie von Vázquez, und Autoren der Bruguera-Verlagsgruppe. Er war zudem fasziniert von den spanischen Underground-Comics der 1970er Jahre, hauptsächlich aus Magazinen wie „Revista Star“ und Vall Editor. Zu dieser fing Ceerre an, Serien von Wandmalereien zu schaffen, die sich der Abstraktion zuwandten, mit Themen, die er interessant fand. Er improvisierte mit einigen Farben, die auf Comics basierten. Später, im Jahr 2014, begann er, seine eigene abstrakte Sprache durch Musik und die Verwendung von Synästhesie zu entwickeln. Er hatte bereits seit Jahren Hip Hop und experimentelle Musik produziert und hatte die Fähigkeit, Klänge zu sehen und Musik zu kreieren, die sich in Begriffen von Räumen und Farbwahrnehmungen bewegte.
Ein wenig später entwickelte er zwei abstrakte Serien basierend auf musikalischer Wahrnehmung: „Etane Sissy“ (2015) und „Alba“ (2016). „Bei der ersten konzentrierte ich mich mehr auf rhythmische und perkussive Faktoren, charakteristisch für musikalische Autoren wie Autechre oder Aphex Twin. Während ich bei der zweiten einen formalen Minimalismus suchte, der das klangliche Landschaftsbild typischer Ambient-Musik und von Musikern wie William Basinski oder Tim Hecker repräsentiert. Dazu verbrachte ich vier Tage in der Wüste Monegros, wo ich mich ausschließlich dem Skizzieren widmete, während ich diese Musik hörte. Die Wahl von Methacrylat als Material reagierte unter anderem auf die Möglichkeit der kompositorischen Umformulierung. Jedes Stück wurde zu einem greifbaren Element, das unendlich neu komponiert werden konnte, bis ich mich entschied, es zu fixieren. Ich wollte auch die Ideen von Kandinsky vertieft erforschen, die er in seinem Werk „Punkt und Linie zu Fläche“ zum Ausdruck brachte. Diese beiden Serien bildeten praktisch die Grundlage für meine gesamte spätere Arbeit“, reflektiert Ceerre heute.
Im Jahr 2014, begann er ein Grafikdesign-Studium in Barcelona, 2016 setzte er seine Ausbildung für Bildende Kunst und Design für Wandmalerei an der Escola Massana für ein Jahr fort, 2017 ging er zur Advanced Painting School of Visual Arts in New York. 2019 versuchte er sich an einem BFA-Studiengang an der Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam, bevor er schließlich 2020 in Bilbao Bildende Kunst studierte. Aus all diesen Studien lernte er verschiedene Aspekte, aber heute denkt er, dass vor allem die unzähligen Gespräche mit anderen Künstlern und Künstlerinnen und die Besuche in ihren Ateliers von unschätzbarem Wert waren. Während dieser Lehrjahre und dem Erlangen von Kenntnissen zur Kunstgeschichte entdeckte er moderne und zeitgenössische KünstlerInnen. Der abstrakte Expressionismus der späten 1940er Jahre, mit ikonischen Werken wie De Kooning’s schwarzen Gemäldeserien oder Gorky’s späteren Arbeiten, beeindruckten ihn nachhaltig. Als er in Amsterdam lebte, besuchte er häufig das Cobra Museum. Miró’s Serie musikalischer Gemälde hatte einen starken Einfluss auf ihn. Doch als Inspirationsquelle nennt Ceerre auch Tàpies, Dubuffet, Brassai, Martha Coopers Serie „Street Play“, Rhoda Kelloggs Arbeit, Oldenburgs weiche Skulpturen, Basquiat’s Zeichnungen, Garrell’s Strukturen und zeitgenössische Künstler wie Guillermo Pfaff, Sterling Ruby, Luce, Joe Bradley, Damaris Pan, Susan Te Kahurangi King, Eddie Martinez, Christopher Wool, Julie Mehretu und Rudolf Stingel. Über die Jahre der künstlerischen Praxis und persönlichen Entwicklung, in einem Prozess der Selbsterkenntnis und des Hinterfragens, begann Xavi Ceeerre, sich zunehmend für spontane Kunst und Kinderzeichnungen zu interessieren.
Methoden und Techniken
Das Zeichnen und Skizzieren ist für den spanischen Künstler weiterhin sehr wichtig. Für ihn hat das Zeichnen eine grundlegende Qualität, die es von der Malerei unterscheidet. Dies liegt in der Möglichkeit, Striche von unbestimmter Länge zu ziehen. Beim Malen dauert der Strich so lange, bis die Farbe auf dem Pinsel alle ist; im Gegensatz dazu ermöglicht das Zeichnen einen unendlichen Strich und besseres Aufzeichnen von Bewegungen. Dies geschieht auch beim Graffit und beim Grattage, erklärt er. Einige seiner Leinwände beginnt er mit dem Zeichnen. Diese Zeichnungen können während der Fertigstellung des Werks bleiben oder verschwinden. Oder er beginnt mit einfachen Blockkompositionen oder mit Flecken. Andere Arbeiten entstehen aus dem Freestyle. Andere Methoden haben ihren Ursprung auf der Straße. Das Löschen und Überlagern von Elementen, etwas zu malen, um es dann durchzustreichen oder weiter daran zu arbeiten, indem man von den freigelegten Bruchteilen ausgeht. Oder das Entfernen oberer Schichten, um verborgene Zeichnungen hervor zu holen und somit zu retten. Es ist eine fast surrealistische Methode, so Ceerre. Manchmal beginnt er auf der Leinwand mit schnellen und spasmodischen Gesten, die er nicht kontrollieren kann. Diese Art des schnellen Zeichnens muss mit Tagging und Throw-Ups verbunden sein, meint er. Er genießt vor allem Freestyle, wie beim Rap, und improvisiert, wann immer er kann. Dazu legt er vorher einige Parameter fest, in denen er sich freier bewegen kann. Andere Male baut er Bilder aus dem Chaos. Aus Lärm. „Vielleicht ist es ein Überbleibsel des Graffiti, wo man normalerweise auf Oberflächen malt, auf die bereits interveniert wurde, oder der subtraktiven Musiksynthese, wo man von Lärm ausgeht und Frequenzen filtert, um einen Klang zu suchen. Das bedeutet nicht, dass alles außer Kontrolle ist, aber ich versuche konzentriert zu bleiben und Entscheidungen von innen heraus treffen zu lassen“, sagt Ceerre. Um ein Gefühl von Bewegung zu bekommen, nutzt er auch die expressiven Fähigkeiten grundlegender formaler Elemente wie Rhythmus, Wiederholung, asymmetrische Kompositionen, führende Linien, Neigung. Für den Künstler hat die Geste die Fähigkeit, Ideen, Emotionen oder Absicht auszudrücken und kann sogar ein Ausdruck von Stil sein. Er erklärt: „Im Laufe der Jahre, durch Wiederholung und Muskelgedächtnis, entstehen eine Reihe unbewusster Gesten, die wir als erlernte Gesten bezeichnen könnten. Sie existieren neben unwillkürlichen Gesten, die spontan in uns entstehen als Ergebnis von Emotionen oder anderen Gründen. Der Künstler kann sich dieses Umstands bewusst werden und einen Dialog mit seiner eigenen Geste durch die Verneinung der erlernten Geste beginnen. Dieser Prozess der Entpersönlichung zielt darauf ab, diese Gesten zu eliminieren oder zumindest zu erkennen, die ich zuvor erwähnt habe, zugunsten einer archetypischen oder universellen Geste. Dies kann im Allgemeinen durch die Behinderung der Geste erreicht werden. Mechanismen wie Geschwindigkeit, die Verwendung physischer Barrieren, das falsche Halten des Pinsels oder Abstand, wie beim Blindzeichnen, können zu diesem Zweck verwendet werden. All dies führt zwangsläufig zur Geste des Löschens. Die Geste der Zerstörung. Die Auflösung der Identität. Der Kampf zwischen Individuum und Gesellschaft. Die anonyme Geste. Die Nicht-Geste. Aber das Lustige ist, dass diese Aktion unbewusst neue Gesten voller Ausdruckskraft generiert, die sowohl ich als auch andere Künstler wie z.B. Stephen Burke oder Nils Jendri interessant finden, um sie zu retten und an ihre Grenzen zu bringen.“
Was die Farbwahl betrifft, sagt er: „Sie durchläuft Phasen, plötzlich gibt es Farben, die stark mit mir resonieren. Ich stelle mir vor, dass Farbe mehr mit dem emotionalen oder energetischen Aspekt zu tun hat, also muss sie davon beeinflusst sein.“ Für das Finden neuer Formen hat er keine spezifische Methode, aber viel darüber nachgedacht: „Wie Formen in der Lage sind, eine Persönlichkeit zu enthalten. Fast aus grafologischer Sicht. Es gibt Formen, die aus dem Muskelgedächtnis oder unbewusst entstehen. Sie sind das Ergebnis vieler Jahre wiederholter Gesten, als Illustrator, Schriftsteller oder Künstler. Es sind schematische Formen, die sich auf elementare Geometrie oder Graffiti beziehen. Dies sind automatische Formen, die ich normalerweise als konstruktive Schemata verwende. Schnellere Bewegungen erzeugen andere Formen, wenn sich Striche überschneiden. Diese Art von Formen basiert stärker auf motorischen Fähigkeiten und erinnert mich ans Kritzeln. Es gibt auch Formen, die auf der Aneignung von Bildern oder auf deren Abstraktion basieren. Sie mögen den anderen beiden Typen ähneln, stammen aber tatsächlich aus anderen Bildern, aus meinem persönlichen Archiv, aus dem, was ich finde. Oder es sind formale Rückstände, die in meiner Erinnerung bleiben.“
Je nach Serie, an der er in seinem Studio arbeitet, verwendet er unterschiedliche Techniken. In letzter Zeit arbeitete er oft mit Décalcomanie. Das Ergebnis ist eine texturreiche Nuancierung, die ihn an Stein oder Kunststoff erinnert. In der Serie „Mur Mort, 2016-2024“ verwendete er eine Technik, die der fotografischen Entwicklung ähnelt, bei der er Bilder aus der unteren Schicht wiederherstellt, indem er die Farbe der neuesten Schichten durch Grattage abkratzt und zerstört. Diese Technik interessiert den Künstler, weil sie ziemlich unvorhersehbar ist. Die Verwendung von Automatismus kann auch hilfreich sein. Manchmal spielt er mit Gestaltfiguren, das heißt, unvollständigen Formen und Figuren, die offen für Interpretation sind. Er sucht nach Fehlern durch Behinderungstechniken, wie zum Beispiel das Zeichnen mit der linken Hand oder das Betrachten eines anderen Teils des Gemäldes während des Malens. Für die Serie von Zeichnungen „New Singer Old Song“ verwendete er Holzkohle, die er aus einem Feuer gerettet hatte. Er ist sich ziemlich sicher, dass dieses Material die Zeichnungen, die er damit gemacht hat, irgendwie beeinflusst hat. Xavi Ceerre schafft zudem Objekte und Installationen. Er begann 2014 mit Volumen zu experimentieren, in verlassenen Fabriken, mit den dort gefundenen Objekten, um in einer dreidimensionalen Umgebung zu arbeiten und Kompositionen zu schaffen, die aus verschiedenen Perspektiven funktionieren. Für ihn hat jedes Material seine eigenen Eigenschaften und kulturelle Bedeutung. Die Arbeit mit Volumen ähnelt manchmal Bauarbeiten, sagt er, und erinnert ihn an die Arbeit seines Großvaters.
Abstraktion ist auch im Graffiti und in der Musik zu finden
In Bezug auf die Abstraktion sagt Ceerre, es sei ein fortschreitender Prozess gewesen, der sich 2015 mit der „Etane Sissy“-Serie kristallisierte. Aber in Wirklichkeit war die Abstraktion schon immer vorhanden, laut ihm, wie zum Beispiel im Wild Style. Es besteht eine direkte Beziehung zwischen seinen frühen Graffiti Pieces und vielen der heute noch verwendeten kompositorischen Schemata. Die „Circuit“-Serie, basierend auf gewundenen Zeichnungen von Rennstrecken und Karten, die er im Alter von zwei bis vier Jahren gemacht hatte, erinnern ihn stark an Buchstabengraffiti. Dies wurde ihm aber erst viel später nach der Erstellung dieser Serie bewusst. Auch die Beziehung zur Musik spielt eine sehr wichtige Rolle. Nach und nach erkannte er, dass grafische Elemente ihre eigene Aussage haben und keinem Thema dienen müssen. Die Wahl des Materials, formale Elemente, die Kraft (oder Psychologie) der Farbe, der Prozess. Die Wechselbeziehungen zwischen einer künstlerischen Sprache und einer anderen, wie der Malerei und der Musik sind endlos, so Ceerre: „Wir finden sie in der Sprache selbst: Farbe, Ton, Skala, Harmonie, Rhythmus, Wiederholung, Bewegung, Tiefe, Sättigung, Textur, Verzerrung, Komposition und sogar formale Werte können Klängen zugeordnet werden. Aber es geht noch weiter. Techniken wie das Sampling erinnern mich an Collage oder die Aneignung von Bildern. Oder das Mischen von Farben ähnelt stark musikalischen Akkorden.“ Abstraktion ist für den spanischen Künstler eine Sprache, die ihre eigenen Mittel verwendet und faszinierend ist. „Es gibt keine Erzählung, kein Thema, keine Botschaft. Das Gemälde selbst ist die Botschaft und erzählt seine Geschichte. Seit vielen Jahrhunderten ist die Malerei der Funktionalität untergeordnet gewesen. Abstraktion ist die klarste Darstellung dieser Befreiung, fügt Ceerre hinzu. „Und wenn ich ein Gemälde sehe, empfinde ich Dinge, die ich durch andere Mittel nicht fühlen kann. Da ist ein bisschen ein haptisches Gefühl, ein bisschen Staunen, ein bisschen Ehrfurcht. Ich stelle mir normalerweise vor, ich wäre in der Lage des Künstlers. Es ist schwer auszudrücken, aber als Maler suche ich dieses Gefühl die ganze Zeit. Ich stelle mir vor, das ist es, was mich immer noch malen lässt: Ich liebe es, wenn ich nichts verstehe.“
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