Anfänge in einer Vorstadt von Melbourne
Der australische Künstler Ash Keating wurde 1980 in Melbourne geboren. Er wuchs in den grünen östlichen Vorstädten von Melbourne auf, auf halbem Weg zu den Bergen Dandenong Ranges. Keating begann schon als Kind zu zeichnen und im Alter von 16 Jahren malte er in der Schule abstrakte Landschaften mit Öl auf Leinwand. Mitte der 90er Jahre begeisterte er sich für Basketball und Hip Hop-Musik und Ende der 90er Jahre war er von Freunden umgeben, die in Melbourne mit Graffiti Writing begannen. Aus Neugierde begann er, mit Sprühdosen Schriftzüge zu schreiben, wusste aber schnell, dass er sich nicht für Lettering interessierte, sondern sich in den Rausch verliebte, nachts illegal zu malen und das Ergebnis am nächsten Tag in leuchtenden Farben zu sehen.
Von 1999 bis 2001 malte er neben und mit vielen befreundeten Writern von Box Hill bis Mitcham auf der Belgrave-Lilydale-Zuglinie Dutzende von Characters. Ein Writer namens LEMON / LEMZ, der einen einzigartigen kreativen Stil hatte, nahm Keating unter seine Fittiche und unterstützte seine abstrakten Experimente auf der Linie. Mit Sprühdosen begann er, mit Farben und Sprüheffekten zu experimentieren und Dosen aufzustechen. Er erkannte, dass er die Regeln des Graffiti brechen und organischer und abstrakter arbeiten wollte. Auf einem Roadtrip nach Canberra mit LEMZ im Jahr 2001 bemalte Keating den gesamten Abschnitt unter einer Brücke auf eine neue Weise, die seine Herangehensweise an die Malerei verändern sollte. Er bemalte die gesamte Fläche mit einem glänzenden schwarzen Emaille-Fehlton und streute dann leuchtend gelbe, orangefarbene und ultramarinblaue Belton-Farben darüber und war von dem Endergebnis begeistert.
Während dieser Zeit studierte Keating bildende Kunst an der Monash University in Caulfield, wo er von 2001 bis 2003 seinen Bachelor of Fine Art (Malerei) absolvierte. An der Universität malte er ausdrucksstarke abstrakte Werke, vor allem auf gefundenen Gegenständen und Holzpaletten, und im letzten Studienjahr kaufte er größere Leinwände, um darauf zu arbeiten. Im Unterricht wurde er auch in Kunstgeschichte unterrichtet und lernte viel über moderne Kunst und die umfangreiche Geschichte von Action Painting. Dieses Wissen bestärkte Keating in seiner Idee, seine eigenen abstrakten Gemälde auf performative und gestische Weise zu schaffen, was er bereits mit dem Werfen von Töpfen und dem Aufstechen von Sprühdosen getan hatte. Er experimentierte weiter mit gestischer abstrakter Malerei im öffentlichen Raum, mit Emaille und Farben auf Wasserbasis, mit Farbproben, die er geschenkt bekam oder die er fand. Er war nachts oder am frühen Morgen allein unterwegs, warf Farbe auf Wände, ließ Farbe von oben tropfen und sprühte mit Spraydosen. Er arbeitete immer sehr schnell, nur wenige Minuten, und bei manchen Orten kehrte er wöchentlich zurück, um die Schichten der Arbeiten zu ergänzen. Für diese subversiven „Guerilla-Arbeiten“ wählte er kahle Wände in bester Lage in Melbournes CBD, wo er ab 2003 lebte. Da er in der Stadt lebte und Werke hinterließ, war er Anfang der 2000er Jahre an vorderster Front der aufkommenden Street Art-Szene neben Schablonen-Arbeiten und Paste ups von anderen KünstlerInnen vertreten. Auch Banksy hinterließ 2004 einige Stencils mit Affen und Ratten in Melbourne.
Zu dieser Zeit gab es in der Stadt keine Wandmalereien oder Auftragsarbeiten und Keating wollte seine abstrakten Kunstwerke auf großen kahlen Wänden mitten in der Stadt schaffen. Er interessierte sich auch für Cultural Jamming und Ad Busting und begann, Werbeplakate als Leinwände für Interventionen in Bahnhöfen oder auf der Straße zu verwenden. Eines Tages sah Keating beim Umsteigen am Bahnhof von Richmond einen Writer, den er kannte und der ihm erzählte, dass er gehört hatte, dass einige europäische Writer Feuerlöscher benutzen, um riesige Tags zu malen, und dass sich meine Arbeit hervorragend für diese Anwendung eignen würde. Dies veranlasste Keating und einen Freund, der in der Nähe wohnte, einige verlassene Lagerhäuser in der Nähe zu durchsuchen, wo sie den Jackpot knackten und etwa ein Dutzend 9-Liter-Wasserlöscher fanden.
Seine erste größere Arbeit mit Feuerlöschern, nach einigen kleineren Experimenten an Schiffscontainern und Stadtmauern, führte er 2004 an einer riesigen Wand eines Parkhauses im Zentrum von Melbourne aus. Er verwendete himmelblaue, weiße, schwarze, pflaumen- und magentafarbene Farben, aber der Schlüssel für diese Wand und der Anwendung war die Verwendung von mit Wasser gefüllten Feuerlöschern, die, wenn sie über die nasse Farbe gesprüht wurden, sie ineinander übergehen ließen. Keating erkannte, dass diese erweiterte gestische Malpraxis und Technik interessante Farbverläufe, Bewegung und eine einzigartige Energie für seine abstrakten Arbeiten ermöglichte. Doch was Keating noch mehr begeisterte, war die Art und Weise, wie andere Menschen, die er kannte, auf seine Werke reagierten und ihre Begeisterung zu ihnen zum Ausdruck brachten.
Konzeptuelle Kunstprojekte vor dem Entwickeln seiner grandiosen Malerei
Bevor er seine erstaunliche Malerei des letzten Jahrzehnts entwickelte, wollte der australische Künstler direkt nach seinem Studium andere Wege zur Herstellung von Kunstwerken erforschen, die Installationen, Video und weitere Experimente mit Performances ohne Farbe, aber mit Industrieabfällen umfassen. Seine Praxis von 2006 bis 2012 war damals von ökologischem Aktivismus geprägt und konzentrierte sich auf Kunst im öffentlichen Raum, wobei er versuchte, Veränderungen und ein alternatives Denken für Produktions- und Konsumsysteme zu bewirken und soziale und ökologische Themen wie Klimawandel, städtische Gentrifizierung, Abfall und Nachhaltigkeit zu thematisieren. Er schuf mehrere geförderte Kunstwerke im öffentlichen Raum, davon drei große in der südlichen Hemisphäre außerhalb Australiens. Sein erstes Projekt fand 2006 in Santiago, Chile, statt, gefolgt von einem Werk in Yogyakarta, Indonesien, im Jahr 2009 und ein Jahr später in Christchurch, Aotearoa/Neuseeland. Alle diese Kunstprojekte waren geografisch in einer Region angesiedelt, die als „Ring of Fire“ bekannt ist und den Pazifischen Ozean umgibt. In diesem Gebiet kam es aufgrund der Bewegungen der tektonischen Platten zu zahlreichen Erdbeben und umfangreichen vulkanischen Aktivitäten. In dieser von Naturkatastrophen heimgesuchten Region wollte Keating Werke schaffen, die sowohl politisch als auch ökologisch einen positiven Wandel bewirken können. Im Jahr 2009 fand sein ehrgeiziges Kunstprojekt „Activate 2750″ in Penrith in der Nähe von Sydney statt und sollte vier Wochen lang unser Verhältnis zur Produktion und zum Verbrauch von Abfall thematisieren, indem er ein Kunstwerk schuf, das Material wiederverwendete, das er auf den Müllhalden gesammelt hatte. Das Ergebnis war eine riesige Installation, eine Art Denkmal mitten in der Stadt. Indem er im öffentlichen Raum agierte, wollte er mit den Menschen interagieren und das Bewusstsein für Konsumverhalten und Abfall schärfen. In Ash Keating’s konzeptioneller künstlerischer Praxis dieser Jahre sensibilisieren Elemente der Trauer (für bekannte Verluste) und der Melancholie (für unbekannte Defizite) den Betrachter, um der Gegenwart durch kollektive performative Elemente des Mythos, des Rituals und der Zeremonie zu gedenken, sie zu bewahren und ihr ein Denkmal zu setzen.
Großflächige Malerei im öffentlichen Raum
Seine Liebe und sein Respekt für die Natur sowie das Agieren im öffentlichen Raum ist der gemeinsame Nenner seiner gesamten künstlerischen Praxis, denn seine gesprühten Gemälde, die er seit 2012 bis heute weiterentwickelt, sind aus der Inspiration der umgebenden Natur in Australien entstanden. Die Erfahrung der Natur ist es, die Keating in seine Gemälde projiziert. Die Darstellung von Licht und atmosphärischen Bedingungen der Natur durch Schichten von gesprühten Farben wurde für Keating zur wichtigsten malerischen Aufgabe und stellt eine Verbindung zum Impressionismus dar. Seine spontane Art mit gesprühter Farbe zu arbeiten, durch Improvisation und performative Arbeitsmethoden abstrakte Werke zu schaffen, erinnern wiederum an Action Painting. „Wie jeder Künstler werde ich durch das Leben um mich herum beeinflusst; ich lasse mich ständig von den Farben in der Natur und dem wechselnden Licht in der städtischen Umgebung inspirieren“, sagt Keating. „Unterbewusst werde ich auch von der Art und Weise beeinflusst, wie andere Künstler arbeiten – ich denke sogar, dass es eine Verantwortung ist, sich des Feldes bewusst zu sein, in dem man arbeitet, damit man sicherstellen kann, dass man etwas völlig Einzigartiges schafft.“
Die Verwendung von Feuerlöschern für abstrakte Malerei macht seine Praxis einzigartig und er ist einer der wenigen Künstler, die in der Lage sind, dieses untypische Malwerkzeug zu kontrollieren, das mit seiner explosiven Energie sehr physisch zu handhaben ist. Er arbeitet damit hauptsächlich im Freien, vom Boden aus, an großflächigen Außenfassaden von Gebäuden wie Lagerhallen, und kämpft bei seiner Arbeit mit heraus gepresster flüssiger Farbe und Wasser gegen die Schwerkraft und herrschenden Wetterbedingungen. Die Energie eines Feuerlöschers ist das, was für das gewünschte malerische Ergebnis beherrscht werden muss, das wiederum mit der Eigenart des Werkzeugs selbst zusammenhängt. Je nach Druck und der Flüssigkeitsgrad, die er für jeden Feuerlöscher, den er für ein Kunstwerk verwendet, im Voraus mischt, sind der erzeugte Strahl und die Sprenkel unterschiedlich und kreieren verschiedene Effekte auf der Wand. Durch die Zugabe von Wasser, die unterschiedliche Luftfeuchtigkeit und die Schwerkraft entstehen unterschiedliche Spuren der projizierten flüssigen Farbe, es entstehen Tropfen, nebelartige Farbflächen, Farbverläufe mit Bewegungen und attraktiven Farbmischungen. Der Effekt ist nicht nur der von laufender und tropfender Farbe, sondern die Nachbildung natürlicher Systeme in der Umgebung, die an die Bewegung von Wasserfällen, Regenfällen, Erosionspuren auf Felsen, die Farben der australischen Natur und ihr unglaublich wechselndes Licht erinnern.
Je nach Projekt arbeitet der Künstler mehr mit der Vertikalität des natürlichen Prozesses aufgrund der Technik und der Schwerkraft oder vermeidet sie, wenn er eine Art „Landschafts-Camouflage-Gemälde“ auf Lagerhallen im ruralen Umfeld schafft. Diese freistehenden, von weitem sichtbaren Architekturen mit ihren Industriewänden üben auf den australischen Maler einen besonderen Reiz aus. Sein erstes großes Projekt zu dieser Art von Architektur war die „West Park Proposition“ im Jahr 2012 in Truganina, am industriellen Rande von Melbourne. Diese Arbeit war als Videoinstallation mit mehreren Bildschirmen konzipiert, die eine ausdauernde Action Painting-Intervention im Guerilla-Stil dokumentierte und seine Aktionen im urbanen Raum aus seinen Anfängen, seine ökologischen konzeptionellen Projekte und seine eigentliche Malerei zusammenführte. Unter Verwendung von Feuerlöschern und dem Werfen von Farbe an die Wände, wie er es in seinen Anfängen im öffentlichen Raum zu tun pflegte, präsentiert die Videoinstallation eine ritualisierte Mal-Performance, in der eine symbolische Gewalt gegen ein Lagerhaus, das den Konsum symbolisiert, ausgeübt wird. Indem er ein zehn mal fünfzig Meter großes Gebäude durch eine „Tarnbemalung“ umgestaltet und es mit den gleichen Farben und seiner Atmosphäre in die umgebende Landschaft einfügt, lässt er es gewissermaßen verschwinden und kann als Erweiterung der umgebenden Landschaft gesehen werden. Als symbolische Form des Umweltaktivismus lenkt das Werk die Aufmerksamkeit auf die Landschaft, auf die Schönheit der Farben, die romantische Ambiente und lädt zur Kontemplation ein. Das Gebäude verwandelt sich in eine riesige Leinwand für ein impressionistisches Gemälde, eine poetische Rückgewinnung der natürlichen Farmlandschaft und damit auch ein Statement. „Von 2012 bis 2016 habe ich eine Reihe von Trompe-l’oeil-Malerein mit dem Titel ‚Urban Boundary Propositions‘ an ähnlichen Gebäuden in Melbournes Großraumgrenzen gemalt. Diese Arbeiten waren konzeptionell, für den Film gemalt und wörtlich in ihrer Botschaft über den Verlust und die Entwicklung der natürlichen Landschaft“, schreibt er in der Einleitung seines Ausstellungskatalogs „Hume Response Paintings“, eine Ausstellung von Atelierarbeiten, die 2019 einer großen Wandarbeit an einem Lagerhaus mit demselben Titel folgte.
Seit 2012 führt Keating zahlreiche bemerkenswerte großformatige Murals im öffentlichen Raum durch, nicht nur in ländlichen Gebieten, sondern auch im urbanen Räumen für Institutionen und Festivals wie die National Gallery of Victoria (2013), die RMIT University (2014), das Adelaide Festival Centre (2015), The Sugar Mountain (2015/16) und Splendour in the Grass Festivals (2016/18), TarraWarra Museum of Art (2019) und zuletzt eine Wandmalerei direkt an der Fassade der Warrnambool Art Gallery (2021).
Arbeitsmethoden
Für die Bemalung verschiedener Architekturen, wie Brücken, diverse moderne Gebäude, Fassaden, Wänden an Spielplätzen oder Innenräume, sind die Vorbereitungen für diese Arbeiten beträchtlich und nehmen mindestens zwei Wochen Zeit in Anspruch. Der erste Schritt besteht darin, den Ort zu besichtigen, um die Farbpalette festzulegen. Selbst im städtischen Raum stellt der Künstler eine Verbindung zum kulturellen Umfeld her, wie bei seiner Arbeit in Chinatown im Jahr 2020, wo er die Farben Rot und Gelb zelebriert oder helle positive Farben für die Fassadengestaltung im Rahmen eines Musikfestivals wählt. Die Architektur zu begutachten, um zu entscheiden, wie er die Farbe komponiert und wo er sie aufträgt, wo genau er steht, um den Druckstrahl aufzutragen, ist der zweite Schritt. Manchmal braucht er eine Leiter, für höhere Wände einen Steiger. Dann muss Keating sein Werkzeug vorbereiten, für alle Feuerlöscher, die er für ein Kunstwerk benötigt, die Farben anmischen, den Druck festlegen und den Standort an den Wänden vorbereiten. Das Reinigen der Farbe auf Wasserbasis am Boden und Umfeld nach dem Malen ist ebenfalls ein wichtiger Teil des gesamten Vorgangs. Das eigentliche Malen an Ort und Stelle dauert circa vier bis acht Stunden, je nach den Wetterbedingungen an diesem speziellen Tag der Ausführung. Die Konzentration während des Malprozesses ist sehr intensiv, die physischen und wetterbedingten Bedingungen sind zu beachten und lassen dementsprechend Raum für Improvisation. Der Schlüsselmoment ist die Verwendung von Wasser, das auf die Farbschichten aufgetragen wird, um die Bewegung der Schwerkraft zu verstärken und Überlappungen, Übergänge, Farbverläufe und verschwommene Ergebnisse zu führen und somit teils zu kontrollieren. Manchmal auf der gesamten Oberfläche aufgetragen, manchmal in vertikalen Reihen, die an Flammen erinnern, ist der Prozess selbst ebenso spektakulär wie das Ergebnis. Kraftvoll und beeindruckend ziehen seine Arbeiten den Blick auf sich und laden dazu ein, die Schönheit von Abstraktion und Farben zu betrachten, die auf einzigartige Weise durch den australischen Künstler komponiert sind.
Studio-Praxis
In den letzten zehn Jahren hat Ash Keating eine besondere Methode entwickelt, um abstrakte, atmosphärische Kompositionen für Innen- und Außenräume zu schaffen. In seinem Atelier trägt er die Farbe mit einem Airless-Sprühgerät auf die Leinwand auf und radiert sie anschließend aus oder bricht sie mit Wasser ab. „Auf großen Außenwänden verwende ich Acrylfarben und Wasser, die mit Feuerlöschern aufgetragen werden, und im Atelier arbeite ich auf Leinen mit einer Spritzpistole, die hochwertige Künstlerfarben und Wasser zerstäubt“, erklärt er. In seinem Atelier, das speziell für die Arbeit mit viel Wasser konzipiert ist und mit einem Abflusssystem im Boden ausgestattet ist, kann er mit viel mehr Wasser arbeiten und mit anderen Wasserfarben experimentieren. Er hat mehr Zeit, um an einem einzigen Kunstwerk zu arbeiten, was ihm ermöglicht, Schichten mit Trocknungsphasen zu bilden, mit weniger Druck mit dem Airless-Sprühgerät oder mit einem Feuerlöscher für größere Formate zu arbeiten und neue Arten des Sprühens und der Farbgebung zu erproben. Sein kleinstes Format ist 90cm mal 60cm groß, doch Keating bevorzugt tatsächlich größere Formate.
Im Laufe der Jahre hat sich seine Praxis weiterentwickelt, aber sein Prozess ist weiterhin kreativ und offen für Neues und dennoch ist er seinen Inspirationsquellen verpflichtet geblieben: der Natur mit ihren Farben und Lichtspielen, Naturphänomenen in Verbindung mit Wissenschaft, und natürlich der Disziplin der Malerei. Zu seiner Einzelausstellung „Hume Response Paintings“ im Jahr 2019, die auf die öffentliche Arbeit mit demselben Titel an einem Lagerhaus folgte, schreibt er in der Einleitung des Kataloges: „In gewisser Weise kann dieses Projekt als der Punkt gelesen werden, an dem meine öffentlichen Kunst- und Atelierpraktiken durch die Makro-Mikro-Trope konvergieren, die bis jetzt durch Maßstab, Ausrüstung und Ansatz weitgehend getrennt waren. In gewissem Sinne fungieren diese gerahmten Abschnitte der Außenarbeit als Fenster zur Außenwand selbst, als ob das Pigment durch den Beton gesickert ist; aufgebrochen, neu konfiguriert und neu interpretiert. Am wichtigsten ist jedoch, wie dieses Werk unter künstlichem Licht und ohne die umgebende Landschaft gelesen wird. Es ist weder ein Horizont in Sicht noch eine Landmarke, die den Maßstab vorgibt. Was passiert eigentlich, wenn das Monumentale intim wird?“.
Seit 2020, während der Pandemie, entwickelt Ash neue Texturen für seine Leinwände. 2021stellte er in der Linden New Art Gallery eine neue Serie aus, die die physische und psychologische Komplexität seines Werkes erweitert: „2020 beschloss ich jedoch, das seltsame Jahr und die Lockdowns als Gelegenheit zu nutzen, um mit Texturen und Markierungen zu experimentieren, für die ich schon lange Zeit finden wollte“, sagt er.
Ash Keating ist immer auf der Suche nach neuen Wegen, um seine Kunst weiterzuentwickeln und sich immer wieder von den Ergebnissen überraschen zu lassen, die dabei herauskommen. „Wenn jemand da draußen etwas finanzieren möchte, von dem er keine Ahnung hat, was dabei herauskommt, soll er sich an mich wenden. Das ist der Traum, und die Ergebnisse sind viel aufregender, als mich an einen Ort zu verweisen, an dem ich schon einmal gewesen bin.“
Der Text wurde gemeinsam mit Ash Keating verfasst.
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